Triplex - Musée Mode & Dentelle

Exposition Simplicities

Arnaud Browet — Tue, 07 Oct 2025 08:55:48 +0000

Exposition Simplicities : Mariano Fortuny, Robe du soir « Delphos » © detiffe.com

Le parcours de l’exposition

De la fin du 18^e siècle à nos jours, l’histoire de la mode occidentale est ponctuée de ces moments où l’épure, la fonction et le naturel s’imposent comme des réponses à des périodes d’excès.
Mathilde Semal, commissaire

L’exposition s’articule autour de six chapitres thématiques. Ils reflétent les différents modes d’expression de cette simplicité. Conçus de manière diachronique, ces chapitres font dialoguer des pièces issues de périodes distincte mettant notamment en lumière les continuités, résurgences et paradoxes de cette esthétique à travers les siècles :

Libérer le corps féminin des contraintes vestimentaires constitue un enjeu récurrent. Pour commencer, l’exposition s’ouvre sur une Chemise à la Reine. D’une simplicité radicale, cette pièce des années 1780 dialogue avec une silhouette de Martin Margiela plus de deux siècle après.

Le deuxième chapitre met en lumière l’influence durable de l’esthétique néoclassique. Notamment à travers la robe Empire. Mariano Fortuny, Madeleine Vionnet, Madame Grès ou encore I ssey Miyake revisitent l’idéal antique pour répondre à la modernité de leur époque.
Fantasmé comme au 18^e siècle, marqué par un souffle libertaire dans les années 70, le retour à la nature traverse les époques. Inspirant par exemple Dries van Noten ou Jacquemus. Ces deux créateurs transposent champs fleuris, forêts ou jardins pour la scénographie de leurs défilés. Aujourd’hui, le mouvement #cottagecore ou #gorpcore, réactivé après la crise sanitaire de 2020, perpétue cet intérêt pour la nature.
La simplicité vestimentaire s’incarne aussi dans les formes pensées pour l’usage, la mobilité et l’adaptation au quotidien. Ainsi frac, redingote, robe à l’anglaise s’invitent dans la garde-robe. Le fonctionnalisme de ces pièces préfigurent déjà le sportswear.
Simple et sobre, la silhouette masculine marque la garde-robe féminine. Les costumes-tailleurs révèlent comment l’emprunt au masculin devient un levier d’émancipation. Plus tard, il nourrit les ambitions professionnelles avec le power dressing des années 1980 et 1990.
Pour conclure, le dernier chapitre de l’exposition propose une lecture des années 1990 comme un moment de synthèse. Une nouvelle génération de créateurs et créatrices élève la simplicité au rang de manifeste esthétique : Ann Demeulemeester en Belgique, Calvin Klein aux Etats-Unis. Aujourd’hui, des créations épurées comme celles de Nicolas di Felice pour Courrèges prolongent l’esprit minimaliste avec une vision contemporaine.

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40+ years of STIJL

Arnaud Browet — Mon, 21 Oct 2024 11:02:31 +0000

Sonja & Aya Noël ©Chiara Steemans

« 40+ years of STIJL, c’est l’histoire d’une boutique, d’un quartier, d’une scène créative en plein essor, d’un mouvement artistique aux influences internationales. C’est l’histoire d’expériences artistiques universelles, à deux pas de chez soi. »

Cette success story est racontée par Aya Noël. Journaliste de mode, commissaire d’exposition expérimentée et fille de Sonja.

Aya plonge pour nous dans l’héritage familial. Un sacré défi ! Car comment donner du sens à des anecdotes familiales et à des archives personnelles ?

40+ years of STIJL ©detiffe.com

Une exposition inattendue

À l’image de la boutique, 40 + years of STIJL met donc en avant le travail des créateurs et créatrices. L’ exposition n’est pas chronologique. Elle s’articule autour des valeurs de STIJL. Mais quelles sont ces valeurs ? Ce sont les créateurs et créatrices, les collaborateurs et collaboratrices, les clients et les clientes qu’Aya Noël rencontre pour construire l’exposition qui en parlent le mieux : originalité, authenticité, âme…

Ces valeurs dessinent les trois grands thèmes de l’exposition : les pionniers, les initiés et les intemporels. Ils font autant référence aux caractéristiques de STIJL qu’aux créateurs et créatrices. Ces derniers et dernières peuvent cependant se retrouver dans les différents thèmes.

Pour aider à structurer le parcours, la commissaire se penche également sur le rôle de la boutique. Une boutique grâce à laquelle les créations les plus avant-gardistes trouvent leur place dans la garde-robe de chacun. Lorsque STIJL ouvre ses portes, la Belgique est un terreau de nouvelles tendances artistiques. En mode, la création avant-garde émerge avec les Six d’Anvers. Sonja découvre le travail de Marina Yee. Elle convainc la jeune créatrice de vendre ses prototypes à STIJL. Par son intermédiaire, elle rencontre les autres «Six ». Dès cet instant, la relation étroite qu’elle noue avec les créateurs et créatrices combinée à son processus de sélection impitoyable et instinctif offre une fenêtre sur les mécanismes précis de création et de la production rendant cette mode si unique.

40+ years of STIJL ©detiffe.com

Les créateurs et créatrices de STIJL

A Propos (by Ernst Walder), A.F. VANDEVORST, Angelo Figus, Anke Loh, Ann Demeulemeester, Carol Christian Poell, Cathy Pill, Christian Wijnants, Christoph Broich, Christopher Ræburn, Dirk Bikkembergs, Dirk Van Saene, Dries Van Noten, Eric Beauduin, Gioia Seghers, Haider Ackermann , Helmut Lang, Honest by, Hul le Kes, Jan & Carlos, Jan-Jan Van Essche, Jean-Paul Lespagnard, JEANPAULKNOTT, Jurgi Persoons, Katrien Van Hecke, Kris Van Assche, Lieve Van Gorp, LINS PARIS, Lutz Huelle, Marie Adam-Leenaerdt, Marina Yee, Mariot Chanet, Martin Margiela, Olivier Theyskens, Patrick Van Ommeslaeghe, Raf Simons, Rick Owens, Romeo Gigli, Sofie D’Hoore, Stephan Schneider, Tim Van Steenbergen, Toos Franken, Veronique Branquinho, Walter Van Beirendonck, Xavier Delcour, Y/Project.

40+ years of STIJL en images

L’exposition présentée au Musée Mode & Dentelle raconte plus que la vie d’une boutique. Au travers de 68 silhouettes réalisées par 46 créatrices et créateurs, c’est le rôle central, inspirant et inspiré, de Sonja Noël qui est dévoilé.

40+ years of STIJL ©detiffe.com

Stijl en 10 dates

1984 : STIJL ouvre ses portes rue Antoine Dansaert, 26. Sonja Noël découvre le travail de Marina Yee lors du concours la Canette d’or.
1985 : En collaboration avec Walter de Weerdt, STIJL ouvre un magasin Hommes, rue Antoine Dansaert, 22. Deux ans plus tard, un magasin de sous-vêtements.
1995 : Sonja Noël soutient la création de Modo Bruxellae, une organisation dédiée aux jeunes talents de la création de mode à Bruxelles. Prédécesseur du MAD.
1996 : Sonja Noël et Erik van der Post reprennent KAT, un magasin de vêtements pour enfants multimarque. Le magasin est rebaptisé KAT & muis. En 2017, il s’installe place du Vieux Marché aux Grains avec à sa tête Kaatje Sandra.
2002 : Sonja Noël et Erik van der Post ouvrent la toute première boutique européenne Martin Margiela, rue de Flandres, 114. Nicola Vercraeye reprend la boutique, 9 ans plus tard. En 2020, la Librairie Le Saint-Martin Bookshop s’y installe.
2010 : Sonja Noël et Erik van der Post ouvrent Haleluja, place du Nouveau Marché aux Grains. Une boutique de créateurs multimarque axée sur des collections durables. Haleluja devient STIJL men, en 2014. Les collections de vêtements pour femmes et pour hommes se séparent.
2024 : Les soeurs Fien et Tine Prophete reprennent Underwear.
2025 : Exposition rétrospective 40+ years of STIJL au Musée Mode & Dentelle.

STIJL : le livre

À travers des interviews de clients et clientes, de collaborateurs et collaboratrices, ainsi que des analyses des plus grands journalistes de mode belges, cet ouvrage explore le rôle de la boutique de mode indépendante. Un chapitre essentiel de l’histoire de la mode belge. Quatre décennies d’images font revivre l’héritage de STIJL et le travail des créateurs et créatrices comme Martin Margiela, Ann Demeulemeester, Dries Van Noten et Rick Owens…

Ecrit par Aya Noël, avec des contributions de Jesse Brouns, Elisabeth Clauss, Anne-Françoise Moyson et Veerle Windels. Cet ouvrage reflète l’esprit multilingue de Bruxelles, avec un équilibre entre les textes en français, néerlandais et anglais.

Edition Zegris Books
128 p., ill. en couleur et n&b, 20 x 30 cm, broché
En vente au musée, 38 €

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Jules François Crahay

Arnaud Browet — Thu, 17 Aug 2023 16:37:00 +0000

Nina Ricci haute couture, printemps-été 1960, ensemble boléro, robe et ceinture à nœud en cannelé de soie sauvage. Musée Mode & Dentelle © Louis Kerckhof

La première expo sur Jules François Crahay

Jules François Crahay. Back in the spotlight retrace le long et passionnant parcours de ce virtuose de la mode. Au-delà de l’ambition biographique, l’exposition vise à définir et faire admirer le style singulier du créateur.

À la direction artistique de la maison Nina Ricci entre 1959 et 1963 puis chez Lanvin entre 1964 et 1984, Crahay impose une mode légère, ludique, romantique, un brin théâtrale mais toujours parfaitement maîtrisée. S’il n’est pas un couturier de ruptures et de femmes-manifestes, il impose son indépendance et dicte parfois la mode en la nourrissant de son goût passionné pour le folklore et l’exotisme. Se tenant à l’écart du purisme ou du futurisme. Il excelle particulièrement dans la manipulation des tissus, couleurs et motifs.

Tout en parcourant un demi-siècle d’histoire de la mode, cette exposition inédite fait découvrir le parcours de ce couturier belge méconnu. Le Musée Mode & Dentelle dévoile sa collection unique constituée au fil des ans. Une sélection de modèles de haute couture et de prêt-à-porter issus de ce fonds est complétée par des prêts exceptionnels du Palais Galliera, Musée de la Mode de Paris, du Musée des Arts décoratifs, du Patrimoine Lanvin et d’autres collections publiques ou privées. 65 silhouettes accompagnées de croquis, photographies, films et documents d’archives, ressuscitent la figure et l’œuvre du célèbre couturier oublié.

Jules François Crahay, 1962 Musée Mode & Dentelle

Jules François Crahay

Figure marquante du secteur de la mode de son vivant, après son décès Jules François Crahay tombe dans l’oubli. Pour des raisons liées à son caractère discret mais également à l’absence de marque continuant à faire exister son nom. Décédé il y a des décennies, il n’a pas laissé d’archives.

Jules François Crahay naît à Liège le 21 mai 1917. Dès son enfance, il est immergé dans le monde de la couture. Sa mère a en effet un atelier proposant « robes et manteaux ». Cet univers le marque. En 1934, il s’installe à Paris pour suivre des cours de coupe, à l’Institut Mondial de Coupe. Il y reste deux ans. De retour à Liège, il travaille dans la maison de sa mère.

Le 11 mai 1940, il est fait prisonnier et envoyé dans un camp en Basse-Saxe. Il conçoit et fabrique les costumes de la troupe de théâtre du camp. Libéré par les Anglais le 8 mai 1945, il est rapatrié en Belgique. Vingt jours plus tard, sa mère décède, à l’âge de 52 ans. Il reprend alors sa maison de couture et la renomme Jules Crahay.

En 1951, il s’installe à Paris pour reprendre la maison de haute couture de Jane Régny. Après deux collections seulement, c’est la faillite. Il entre alors comme modéliste chez Nina Ricci. En 1959, il signe sa première collection entière de haute couture. En 1963, il rejoint la maison Jeanne Lanvin pour y remplacer Antonio Castillo comme modéliste. Il deviendra le couturier le mieux payé de Paris. Deux après, la maison Jeanne Lanvin diminue de moitié la taille de sa collection de haute couture. Crahay crée désormais aussi le prêt-à-porter de la maison.

Tout au long de sa carrière, Jules François Crahay est récompensé par 3 Dès d’or. Un record ! En 1977, 1981 et 1984, l’année de sa dernière collection haute-couture chez Lanvin. Deux ans après, il signe sa première collection de sa marque de prêt-à-porter : Jules François Crahay. Elle est produite par le groupe japonais Itokin. Deux boutiques ouvrent à Tokyo et Osaka.

Jules François Crahay s’éteint le 5 janvier 1988, à Monte-Carlo

Jules François Crahay par Denis Laurent, commissaire de l’exposition

Jules François Crahay. Back in the spotlight retrace le long et passionnant parcours de ce virtuose de la mode, né en 1917 et décédé en 1988. En sous-texte, une histoire de la haute couture, de la position de modéliste et du développement du prêt-à-porter des couturiers. Au-delà de l’ambition biographique, l’exposition vise aussi à définir et à faire admirer le style singulier du créateur

Jules François Crahay, le livre

Le premier ouvrage de référence sur le couturier belge.

Résultat d’un long travail de recherche, l’exposition s’accompagne d’une publication sous la direction scientifque de Denis Laurent et éditée par Lannoo : Jules François Crahay, grand couturier redécouvert

En vente au musée ou en ligne
Prix : 45 €

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Diane von Furstenberg. Woman Before Fashion

Arnaud Browet — Tue, 08 Nov 2022 19:03:00 +0000

Woman Before Fashion : la vidéo

Le Musée Mode & Dentelle propose une exposition basée sur une histoire nouvelle. À travers une sélection de plus de 50 modèles et une vaste iconographie, le parcours de l’exposition prend pour point de départ la mode et se termine sur la femme. Un miroir au titre de l’exposition.

Diane von Furstenberg, Robe de jersey de soie imprimé, Musée Mode & Dentelle © E.Gomez

« Les couleurs sont des lettres, les imprimés sont des mots, et le tissu et les silhouettes forment la phrase »

Aux côtés de photographies personnelles, le visiteur appréhende la diversité et l’intemporalité des imprimés. Un langage spécifique de couleurs et d’imprimés que la créatrice applique à son incontournable robe portefeuille. Le visiteur s’imprègne également des multiples inspirations de Diane von Furstenberg dont:

la liberté qui l’inspire dans son travail mais également dans sa vie quotidienne.
le rôle joué par l’art dans ses créations avec des œuvres d’amis tels qu’Andy Warhol, Konstantin Kakanias et François-Marie Banier ou plus largement la peinture abstraite, l’art et l’architecture.

Diane von Furstenberg. Woman Before Fashion © E. Laurent

Le rêve américain

L’exposition revient également sur la carrière phénoménale et singulière de Diane von Furstenberg Dès son arrivée à New York, elle remarque la diversité des tenues portées par les femmes. Ces « crazy looks » alimentent son désir d’introduire en Amérique « la petite robe ». La wrap dress devient rapidement un style de vie mondial.

L’exposition décrypte ainsi :

sa stratégie d’incarnation du vêtement dans les grands magasins en phase avec les mentalités des années 1970
le développement et la diversification de ses lignes
son approche des femmes et des clientes. Aux quatre coins des États-Unis, Diane von Furstenberg rencontre et écoute celles qui portent ses créations. Elle développe ainsi un lien véritable et durable. De Amy Winehouse à Michelle Obama, sa robe portefeuille plaît à toutes les femmes.
Enfin, l’exposition pose un regard sur sa philanthropie permettant de mieux comprendre son travail et son engagement envers les femmes.

Diane von Furstenberg, Robe portefeuille en jersey imprimé au motif léopard, 1974 © E.Gomez

La wrap dress

Pièce emblématique, la robe portefeuille en jersey imprimé bénéficie d’une renommée internationale incontestée.

De par sa célébrité, la robe portefeuille devient une forme archétypale de la mode. Au même titre que le vêtement antique, le kimono ou l’uniforme. Elle partage d’ailleurs des caractéristiques avec ces derniers. Cette robe perdure durant 50 années consécutives tout en tenant compte des évolutions liées aux différentes décennies.

Pensée par une femme, la wrap dress s’inscrit dans une histoire mondiale de la mode conçue par des créatrices. À l’inverse de leurs homologues masculins, elles privilégient des formes simples, assouplies, pensées en fonction de leur langage corporel et de leur vie au quotidien.

L’exposition revient sur les origines italiennes de la robe portefeuille et sur l’histoire derrière sa construction : la fusion d’un haut et d’une jupe.

Diane von Furstenberg. Woman Before Fashion © E. Laurent

Vous souhaitez visiter l’exposition en famille, entre amis, avec un groupe scolaire ?

N’hésitez pas une seule seconde !

Le musée vous propose notamment :

un jeu-parcours gratuit pour les enfants dès 6 ans.
des visites guidées pour les individuels,
différentes formules avec un groupe

Diane von Furstenberg in de tentoonstelling ©E. Laurent

Diane von Fürstenberg

Née à Bruxelles après la Seconde Guerre mondiale, Diane Halfin débute sa scolarité au Lycée Dachsbeck avant de partir en pension en Suisse et en Angleterre. Durant ses études, elle rencontre son futur époux, le prince Eduard Egon von Furstenberg. Son diplôme d’économie en poche, elle apprend l’art de la coupe, des couleurs et des tissus auprès de l’industriel italien Angelo Ferretti.

En 1970, elle s’installe à New York avec une valise pleine de robes. Quelques années plus tard, elle lance l’emblématique robe portefeuille, devenue un symbole de pouvoir et d’indépendance pour les femmes. Diane von Fürstenberg se transforme en une véritable marque mondiale de style de vie.

Diane von Fürstenberg poursuit son œuvre d’émancipation des femmes en soutenant notamment les leadeuses émergentes par le biais de la philanthropie.

En 2005, le Council of Fashion Designers of America (CFDA) lui décerne un Lifetime Achievement Award. Elle préside ce conseil de 2006 à 2019
En 2010, avec la Diller-von Furstenberg Family Foundation, elle créée les DVF Awards afin d’honorer et de subventionner des femmes faisant preuve de leadership, de force et de courage dans leur engagement envers leurs causes
En 2015, elle est désignée comme l’une des 100 personnes les plus influentes du magazine TIME
En septembre 2019, elle est intronisée au National Women’s Hall of Fame. Son leadership et ses réalisations changeant le cours de l’histoire sont ainsi récompensés
En 2020, la France lui décerne le titre de Chevalier de la Légion d’Honneur
En 2021, elle reçoit, de sa Belgique natale, le titre de Commandeur de l’Ordre de la Couronne
Sa reconnaissance la plus récente date de mars 2022. Elle reçoit le Ruth Bader Ginsburg Woman of Leadership Award pour son leadership remarquable et son dévouement envers les femmes
Elle siège actuellement au conseil d’administration de Vital Voices et du CFDA.
Enfin elle écrit plusieurs livres, dont Diane : A Signature Life, The Woman I Wanted to Be traduit en 8 langues, Own It et le dernier : The Secret to Life.

Diane von Furstenberg. Woman Before Fashion, le livre

Diane Von Furstenberg : Woman Before Fashion, le livre

Cet ouvrage est un hommage à la vision créative, à la philosophie féministe de Diane von Furstenberg et à sa marque éponyme. Il accompagne l’exposition présentée dans la ville natale de Diane von Furstenberg : Bruxelles.

Imprimé sur trois papiers de luxe différents avec des encarts variés, ce livre regorge d’illustrations des magnifiques tissus graphiques et des robes portefeuille portées notamment par Diane elle-même
et des mannequins comme Jerry Hall, Naomi Campbell et Cindy Crawford. Agrémenté par des documents d’archives et des photographies contemporaines, l’ouvrage raconte le parcours de la créatrice. Des articles originaux croisent les rapports entre ses créations et le féminisme, la politique de genre et l’esprit d’entreprise. Des anecdotes personnelles de collaboratrices et de collaborateurs tels que le mannequin Cindy Crawford et l’entrepreneuse Stefani Greenfield complètent le propos.

Unique et contemporain, cet ouvrage est une référence dans le domaine de la mode.

Contributions : Diane von Furstenberg, Lydia Kamitisi, Karlie Kloss, Karen Van Godtsenhoven
Edition : Rizzoli Electa
Nombre de page : 208
Prix : 65€
En vente au musée

La suite Diane von Furstenberg

Notre voisin, l’Hotel Amigo dédie l’une de ses suites à l’univers de Diane von Furstenberg. Au travers de certains détails très raffinés, on pénètre dans le monde de la créatrice.

Un tapis zébré donne le ton. Un canapé, des coussins ou une tête de lit signés Diane von Furstenberg confèrent une ambiance très chaleureuse et chatoyante. Des cadres, des photos et autres mantras ornent les murs, comme à la maison. Cette suite rend un véritable hommage à la designeuse.

A découvrir jusqu’en mai 2024 !

Pour en savoir plus

La galerie

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Kidorama, 200 ans de mode enfantine

Arnaud Browet — Thu, 24 Feb 2022 10:43:46 +0000

Kidorama en images

À travers des silhouettes issues des collections du musée, l’exposition retrace les temps forts de la mode enfantine. Une fresque balayant 200 ans d’histoire permet de revenir sur certaines idées reçues. Ainsi, on considère souvent dans l’histoire de la mode que les enfants s’habillent comme des adultes en miniature, leurs vêtements agissant comme un faire-valoir pour les parents, signes de richesse et de rang
social. Mais de nombreux exemples nuancent cette idée.

Kidorma, comme si vous y étiez

En 2022, la mode pour enfants continue à se développer comme jamais. Plus inclusive, plus écologique, privilégiant le fait-main, chaque année de nouveaux labels voient le jour.

À travers un parcours à la fois thématique et chronologique, l’exposition Kidorama interroge la mode actuelle pour enfants de 0-12 ans à la lumière de l’histoire de la mode enfantine.

La galerie

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Brussels Touch

Arnaud Browet — Mon, 04 Jan 2021 14:07:00 +0000

Marine Serre ©Catwalkpictures

Les noms de l’exposition

Annemie Verbeke, Anthony Vaccarello, Beauduin-Masson, Cathy Pill, Cédric Charlier, Chevalier Masson, Christophe Coppens, David Szeto, Delvaux, Elvis Pompilio, Emmanuel Laurent, Éric Beauduin, Ester Manas, Éts Callataÿ, Gioia Seghers, Girls from Omsk, Jean Paul Knott, Jean-Paul Lespagnard, José Enrique Ona Selfa,Julien Dossena, Lætitia Crahay, Léa Peckre, Marine Serre, Mosært, Olivia Hainaut, Olivier Theyskens, Own, Union pour le Vêtement, Sami Tillouche, Sandrina Fasoli, Sofie D’Hoore, Tony Delcampe et Sandrine Rombaux, Xavier Delcour.

Brussels Touch : la vidéo

La mode belge se place parmi les phénomènes majeurs apparus sur la scène internationale depuis la fin des années 1980. Elle bénéficie de plusieurs études et expositions, thématiques et monographiques. Cette nouvelle voie belge semble bien repérée et identifiée par comparaison à d’autres écoles stylistiques nationales comme les écoles japonaise, anglaise, italienne, etc. Mais force est de constater qu’elle est le plus souvent associée à son versant famand, issu de l’école d’Anvers avec le Département Mode de l’Académie Royale des Beaux-Arts.

Lydia Kamitsis, commissaire et Antigone Aristidou, scénographe vous racontent l’exposition Brussels Touch.

Brussels Touch : la visite virtuelle

L’exposition présente l’œuvre de 33 créateurs et crétrices ou entités créatives sous forme
d’un parcours libre. Ponctué de séquences thématiques et monographiques, chacune
autonome, comme autant de voies pour aborder l’esprit de la création nourri par Bruxelles.

Brussels Touch. Esprit libre de mode

La première publication sur le sujet

Tout en reprenant les thématiques développées dans l’exposition, cette publication prolonge la présentation mais ne se veut pas catalogue.
Richement illustrée, elle reflète les recherches menées par la commissaire Lydia Kamitsis et réunit les contributions d’acteurs de premier ordre concernant le positionnement de Bruxelles sur l’échiquier de la mode nationale et internationale.

Appelée à exister hors de la durée de l’exposition, elle est conçue pour une diffusion internationale.

Format : 224 pages
Édition trilingue Français / Anglais / Néerlandais
Éditeur : Lannoo
Pour l’acheter, c’est ici

Brussels Touch : les dates clés

Brussels Touch explore le rôle joué par la Belgique dans la mode depuis les années 1980. Ce n’est évidemment pas la première expo du genre mais c’est bien la première à s’interroger sur l’apport unique de Bruxelles dans cette histoire nationale.

En 1986, l’école des arts de La Cambre, « le Bauhaus belge », ouvre un Atelier de Stylisme et Création de mode. Avant même l’obtention de leur diplôme, ses premiers étudiants se font remarquer dans les concours internationaux, lancent leur carrière et placent Bruxelles sur la carte de la mode. Mais qu’ont-ils apporté de différent ?

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Masculinities

Arnaud Browet — Thu, 23 Jul 2020 11:02:00 +0000

Une exposition qui met en lumière la garde-robe masculine

Tout comme la féminité, qui est son miroir, la masculinité évolue. Au fil des siècles, les hommes ont changé d’apparence. Jusqu’au 18^e siècle, le vêtement masculin se parait encore de formes brillantes et raffinées, bien loin des costumes sobres qui se sont imposés par la suite. Depuis les années 1980, l’homme a reconquis une certaine liberté vestimentaire. Mais les tabous sont-ils vraiment tombés ?

Une expo à voir à Bruxelles en 2021

Le Musée Mode & Dentelle de Bruxelles vous invite à venir admirer le travail de grands noms de la mode : Beauduin-Masson, Brioni, Comme des Garçons, Craig Green, Dries Van Noten, Giorgio Armani, Hardy Amies, Hedi Slimane, Helmut Lang, Jean Paul Gaultier, Jean-Paul Knott, John Stephen, JW Anderson, Mosaert, Namacheko, Off-White, OWN, Raf Simons, Riccardo Tisci, Sami Tillouche, Undercover, Vêtements, Walter Van Beirendonck, Westwood & McLaren, Xavier Delcour, Y/Project…

L’exposition

Masculinities explore la façon dont les designers de mode se jouent des codes et des références pour modifier notre vision de l’homme. Leur influence est considérable,
car même si leurs collections sont portées par un pourcentage réduit de la population, la diffusion de l’image de ces vêtements contribue indéniablement à répandre des visions alternatives à l’ordre dominant

Portraits

Durant toute la durée de l’exposition Masculinities, des Bruxellois qui font la Ville nous livrent leurs points de vue sur les modes masculines.

Surprenants, intéressants, passionnants, ces portraits sont à découvrir sur youtube

Masculinities : Visite virtuelle

En Belgique, les créateurs de mode masculine comptent parmi les plus influents au monde. Pourtant, aucun musée belge n’a encore proposé d’exposition sur la mode masculine. De la « Grande Renonciation Masculine » du 18e siècle à la mode non genrée de 2021, plongez au cœur de cette exposition inédite.

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Beautiful Lace & Carine Gilson

Arnaud Browet — Mon, 01 Mar 2021 12:36:00 +0000

Carine Gilson nous raconte l’exposition

Pour la créatrice, la dentelle est une matière d’émotion. Sensuelle. À travers l’exposition Beautiful Lace & Carine Gilson, la créatrice bruxelloise a dévoilé ce qui l’inspire le plus : le jardin d’Eden, les kimonos japonisants, l’Art nouveau et les œuvres de peintres célèbres. L’exposition qui lui était consacrée a été l’occasion de raconter ses rencontres et ses collaborations avec des artisans de haut vol. Mais aussi de décrire le processus de création de ses pièces.

Notre vidéo de l’exposition Beautiful Lace & Carine Gilson sur youtube

Beautiful Lace, comme si vous y étiez !

Délicatesse de la dentelle, légèreté de la soie, finesse des motifs, savoir-faire couture, tels sont les codes de la Maison Carine Gilson. Depuis 30 ans, ses ateliers bruxellois portent l’incrustation de dentelle au rang de métier d’art. Le parcours propose une approche historique de la dentelle replaçant l’oeuvre de la créatrice bruxelloise dans une longue filiation où le luxe et la finesse sont les maîtres-mots.

Découvrez l’exposition grâce notre visite virtuelle.

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Back Side – Fashion From Behind

Arnaud Browet — Thu, 23 Jul 2020 11:44:00 +0000

Back Side, à voir et revoir

L’exposition interroge la perception que nous avons de notre dos et de celui des autres : majesté d’une traîne de cour, charge d’un sac à dos, sensualité d’un décolleté ou contrainte d’une fermeture.

Plus de vidéos de Back Side sur youtube

Notre emblématique robe CHANEL

Ce fourreau est une des pièces maîtresses de l’exposition. Le décolleté profond dans le dos, unique en son genre, est soutenu par un jeu de bretelles étroites.

Plongez dans les secrets du mannequinage de cette robe!

La galerie

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LOL by La Cambre Mode[s]

Arnaud Browet — Thu, 23 Jul 2020 12:00:29 +0000

L’ambiance de LOL !

Plongez dans l’univers créatif de la Cambre Mode[s] qui s’installe pour la première fois au Musée Mode & Dentelle !

La galerie

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